viviana929

一． 音樂風格
１．音樂創作分三個時期：
a. １６００～１６５０年──蒙台威爾第（義），舒次（德）
b. １６００～１７００年──盧利（義），柯瑞里（義），普賽爾（英）
c. １７００～１７５０年──泰雷曼，拉默，柯普蘭，韋瓦第，韓德爾，巴赫　
２．作品風格講求華麗，以符合貴族的身份地位與價值。
３．音樂作品保有全曲風格一致的曲風，極少有樂段對立的現象，情感的對比主要在快、慢板的對照上。　
４．大多數的音樂作品，以一開始的節奏動機作為全曲的創作基礎。
５．最具代表的創作技法為賦格(fugue)與數字低音（basso continuo）。　
二．樂器作品類型
１．舞曲組曲（Dance Suite）　
a. 常在鍵盤樂器和管弦樂團的作品中出現，以前者居多，均為二段體的曲式結構。
b. 巴洛克中期以後，在德國音樂家“佛瑞伯格”(Johann Jacob Froberger，1616~1667)的設計下有固定的組合方式：
(1) 阿雷曼德舞曲（allemande）
(2) 庫朗舞曲（courante）
(3) 沙拉邦舞（sarabande）
▲在沙拉邦舞曲和基格舞曲之間，可再加入布雷舞曲(bourree)，嘉禾舞曲（gavotte），小步舞曲（minuet）
(4) 基格舞曲 (gigue)
c. 法國舞曲組曲是隨意以不同的舞曲組合而成。
d. 至十八世紀中期以後，因音樂由貴族轉入民間，舞曲不再是作曲家創作重點。
２．奏鳴曲（Sonata）
a. 十七世紀泛指為樂器所作的重奏曲，以小提琴奏鳴曲最多。
b. 巴洛克時期小提琴演奏之奏鳴曲，分成獨奏奏鳴曲(solo sonata)和三重奏鳴曲（trio sonata）。
(1) 獨奏奏鳴曲：由三人演出，即一人擔任小提琴高音部，二人負責“數字低音聲部”。
(2) 三重奏鳴曲：由四人演出，即二人演奏小提琴第一，二聲部，二人負責“數字低音聲部”。
c. 音樂作品的每一樂章特質均同，具有專一一致的氣質。
d. 奏鳴曲的樂章因不同場合的使用而有不同的安排。
(1) 室內奏鳴曲(sonata da camera)：由一前奏曲開始，後方接不同的舞曲，十分接近法國式的舞曲組曲。
其中的快板舞曲有聲部模仿的設計，另外，室內奏鳴曲的風格較教會奏鳴曲輕鬆愉快。
(2) 教會奏鳴曲(sonata da chiesa)：由四個樂章組成，各樂章分別為慢、快、慢、快的速度，最後一樂章和第一樂章為同調。
e. 十八世紀巴洛克盛期以後，獨奏奏鳴曲的地位凌駕於三重奏鳴曲之上。　
f. 十七世紀後期到十八世紀初，小提琴奏鳴曲的發展中心在義大利，故當地亦有史上最精良的小提琴樂器。
g. 柯瑞里(Arcangelo Corelli ,1653~1713)
(1) 十七世紀末，十八世紀初重要的小提琴奏鳴曲作曲家，對十八世紀前期的樂器作品具影響力。
(2) 發展小提琴的演奏技法，例快速音階模仿、琶音變換、同時拉奏雙弦或三弦，以產生雙音或三音等。
(3) 大力推展樂團弦樂組的運弓方向要一致。
(4) 為大協奏曲奠定樂器編配的方式，即由小樂器組和樂團全體人員的總奏。
(5) 作品編號六中的第八號“聖誕大協奏曲”為柯瑞里最重名的大協奏曲。
(6) 音樂作品以“動機模進”最為常見，沒有對比性的主題，符合巴洛克音樂的特徵。
h. 塔替尼是繼柯瑞里之後傑出的小提琴家，作品以“魔鬼的顫音”聞名。
３．協奏曲（Ｃoncerto）
a. 交響協奏曲：為管弦樂團的協奏曲，是多樂章的管弦樂作品，音樂中某些樂器會表現較突出。
b. 獨奏型協奏曲：即今日常見的協奏曲形式，但自十八世紀巴洛克中期之後才開始發展起來。
c. 大協奏曲（concerto grosso）
(1) 基本演奏組合是小型樂器組與管弦樂團二方，前者是競奏群（concertino）,後者是總奏（ripieno）。
(2) 小型樂器組多由兩把小提琴和數字低音聲部（即大提琴與大鍵琴）組合而成。
(3) 協奏曲多由三個樂章以快－慢－快組成，第一和第三的快板樂章經常用“覆奏樂節曲式”
（ritornello,指樂曲中常被重複的樂段）為格式。Ritornello樂段重現時，均由全體人員一起演出。
(4) 因樂器組與樂團的對應而製造出不同大小的音量對比效果，即“階梯式的對比效果”（terraced dynamic）.。
(5) 韋瓦弟（Antonio Vivaldi,1675~1741）
▲史上最多產的協奏曲作曲家。
▲是十八世紀中，後期最富影響力的樂器作品作曲家。
▲作品“四季”屬獨奏型協奏曲，韋瓦弟的獨奏型協奏曲與古典時期的協奏曲不同，因其獨奏型協奏曲仍保有小樂
器組與樂團間的“競奏”特質，曲式亦常用“覆奏樂節曲式”（ritornello form）。
▲協奏曲中小樂器組的編制極富彈性，不依循柯瑞里的編制組合。
４．賦格曲（Fugue）
a. 最常見的是三或四聲部的賦格曲。
b. 基本組成：
(1) 主題句(subject)與答句(ancwer)
在賦格曲的“呈示部”，各聲部會完成呈示主題句的動作，並以主題句－答句輪流稱之，例第一部出現主題句，第
二部再出現時稱為答句，第三部出現時又稱為主題句，第四部則再稱為答句。答句較主題句高五度音（低四度音），
各聲部完成呈示主題句後，賦格曲的“呈示部”即結束。
(2) 對句(countersubject)
主題句在呈示時，其他聲部與主題句對應的音樂片段即是。
(3) 插入樂節(episode)
呈示部完成呈示主題句的動作時，所出現沒有主題句的樂段即為“插入樂節”。
c. 代表作品是“巴赫”的“十二平均律”（equal temperament），有上下二卷，各２４組樂曲，按１２個半
音的大小調順序完成。每一組樂曲由一首前奏曲和一首賦格曲組成。　
三．樂器創作技法
１．數字低音（Basso Continuo）
a. 在低音聲部下方加注數字，其功用是標示和弦，以作為演奏者的演奏指示。
b. 數字低音部由兩種樂器同時擔任，一是演奏單音樂器，如大提琴或低音管，一是演奏和弦的鍵盤樂器，如大鍵
琴，管風琴或魯特琴。
２．頑固低音（Basso Ostinato）
a. 在樂曲中反覆出的低音組（旋律性或和聲性），即是“頑固低音”。
b. 因重覆相同的低音基礎(ground bass)，而衍生“頑固低音變奏曲”。即在不改變低音和聲或低音旋律的前
提下，在低音組加入新提材的樂曲。巴洛克時期的夏康舞曲(chaconne)和帕夏卡格利亞舞曲(passacaglia)即是。
３．賦格（Fugual Polyphony）
a. 指聲部的模仿，即樂曲中就單一主題的模仿。
▲文藝復興時期的聲部模仿以樂段分，各樂段有各自模仿的樂句、動機。
b. 運用“賦格”模作技法的作品類型有賦格曲（fuga），幻想曲（fantasia），隨想曲（capriccio），利切
爾卡（ricercar）。
c. 十七世紀末、十八世紀初的觸技曲（toccata）、前奏曲（prelude）是賦格曲在十八世紀正式獨立發展前的前導。
４．競奏（Concertato Medium）
巴洛克時期管弦樂曲作品的特徵，利用不同的樂器組與樂團在音量上的變化，形成特殊的音響風貌。
５．即興演奏（Improvisation）
巴洛克時期的演奏家在演出時，可在樂曲中加入裝飾音，及其他花彩的樂段，亦可刪除或以其他樂段替換。
四．代表人物
１．巴赫（Johann Sebastian Bach，1685~1750）
２．韓德爾（George Frederick Handel，1685~1759）
五．歌劇
１．演進：
(1) 十一世紀的“宗教劇”(liturgical drama)，以拉丁文為主，內容取自聖經故事。
(2) 十四世紀～十六世紀的“奇蹟劇”(mystery play)，以地方語言為主，內容以聖經故事中的各式大場景為主。
(3) 十六世紀文藝復興後期，除“奇蹟劇”外，有由牧歌延伸出來的“連篇牧歌”(mardrigal cycle)，又稱
“牧歌喜劇”(madrigal comedy)。內容以田園生活景象為主。
(4) 十六世紀末，由“連篇牧歌”發展出“田園劇”(pastoral)。
２．義大利
★起步：卡梅拉塔(Camerata)
(1) 由義大利佛羅倫斯的文人雅士組成的協會，以討論古代文學、藝術和哲學。
(2) 由義大利的貴族“巴帝”(Giovanni Bardi)主持，主張單旋律的音樂才能傳達故事的感情。
(3) 史上第一部歌劇作品“黛芬尼”(Dafne)，是以希臘神話悲劇為題材的作品。
(4) 音樂家“培里”(Jacopo Peri,1561-1633)創立了”宣敘調風格“(recitative style)，以符合中古希臘演劇的風貌。
★發展：
(1) 羅馬：於１６２０年左右開始發展起歌劇作品，有大型的合唱。獨唱音樂以“宣敘調”和“詠嘆調”兩種方式演出。
(2)威尼斯：
a. １６３７年，建立第一座供民眾使用的劇院，使威尼斯成為巴洛克時期的歌劇發展中心，歌劇開始由貴族散播至平民的生活。
b. 蒙台威爾第(Glaudio Monteverdi,1567-1643)的重要作品有“尤利賽的 凱旋”(II ritorno d’Ulissee,1641)
和“波佩亞加冕”（L’incoronazione di Poppea,1642）
c. 十七世紀中期之後，作曲家重視獨唱的份量，因而演唱者步入“美聲”(bel canto)的炫麗演唱風格。至十七世紀末時，
詠嘆調的花腔演唱已成風潮，“閹人歌手”（castrati）為最耀眼的明星。
d. 十七世紀後半期，威尼斯成為義大利的歌劇中心，並以有壯麗場景、內以神話英雄為主題的”莊歌劇“(opera seria)為主。
e. 莊歌劇的劇作家是威尼斯的“柴諾”(Apostolo Zeno,1668-1750)及羅馬的“梅斯塔斯塔修”(Pietro Mestastasio,1698-1782)，
以後者較著名。
f. 十八世紀以後，歌劇朝抒情風格(Lyricism)邁進。
g. 十八世紀中期，喜歌劇堀起。

★ 喜歌劇(Opera Buffa)
a. 十八世紀初以“幕間劇”(intermezzo)的形式於義大利地區興起，後來以拿坡里為發展中心。
b. 採地方語言演出。
c. 內容以平易近人的題材為主。
d. 十八世紀中期以後蔚為風潮。
e. 義大利稱為opera buffa；法國稱為opera comique；英國稱為ballad opera；德國稱為singspiel。
f. 義大利喜歌劇的對白以宣敘調陳述；英、德、法的喜歌劇採口語的方式演出。
g. 代表作品是“管家女僕”（La serva padrona）──培格勒西(Giovanni Battista Pergolesi)
３．法國
a. 十七世紀的法國歌劇結合了法國芭蕾舞劇，及傳統悲劇，稱為抒情悲劇（tragedie lyrique）。
b. 歌劇作品以盧利（佛羅倫斯人，Jean-Baptiste Lully）的作品為代表。
c. 採法文演出。
d. 不流行花腔，較重視旋律的流暢及歌劇情節。
e. 和義大利歌劇一樣重視舞台的效果。
f. 法國歌劇的序曲由慢、快、慢的形式構成，慢板音樂以和弦式主音織體為主，快板則以對位式複音織體編寫之。
４．英國
a. 十七世紀英國著重於莎士比亞舞台劇，不興歌劇。
b. 舞台劇源自英國的“面具劇”（masque）。面具劇取自神話，是上流社會的娛樂活動，結合詩詞、舞蹈、音樂、舞台設
計等，唯音樂僅為配角。
c. 十七世紀末，出現“半歌劇”(semi-opera)的型態。
５．德國
a. 以德文演唱的通俗歌劇，題材以市井小民的生活為主，對白採口語式。
b. 十八世紀初，德文通俗歌劇稱為sinspel，發展至十八世紀中期以後，singpel成為古典時期德國的“喜歌劇”。